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Filmes Antigos Teatrais: O Início do Cinema.

Durante séculos, o único padrão visual de narrativa narrativa foi o teatro. Desde os primeiros filmes narrativos da década de 1890, os cineastas tentaram capturar o poder do teatro ao vivo na tela do cinema. A maioria desses cineastas começou como diretores no final do século 19, e da mesma forma a maioria dos atores de cinema clássico tinha raízes em vaudeville ou melodramas teatrais. Visualmente, os primeiros filmes narrativos haviam se adaptado pouco do palco, e suas narrativas haviam se adaptado muito pouco do vaudeville e do melodrama. Antes do estilo visual que se tornaria conhecido como "continuidade clássica", as cenas eram filmadas em cenas completas e usadas com encenação cuidadosamente coreografada para retratar as relações de trama e personagem. O corte era extremamente limitado e consistia principalmente em close-ups de escrita de objetos por sua legibilidade.


Filmes Antigos - O Cinema Mudo

Embora não possua a realidade inerente ao palco, o filme (ao contrário do palco) oferece a liberdade de manipular o tempo e o espaço aparentes e, assim, criar a ilusão do realismo - que é a linearidade temporal e a continuidade espacial. No início da década de 1910, a produção de filmes estava começando a atingir seu potencial artístico.

Na Suécia e na Dinamarca, esse período seria conhecido como "Era de Ouro" do cinema; nos Estados Unidos, essa mudança artística é atribuída a cineastas como David W. Griffith, finalmente quebrando o controle do Edison Trust para fazer filmes. independente do monopólio de fabricação. Os filmes em todo o mundo começaram a adotar visivelmente os elementos visuais e narrativos que seriam encontrados no cinema clássico de Hollywood. 1913 foi um ano particularmente frutífero para a mídia, pois diretores pioneiros de vários países produziram obras-primas como The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm (Victor Sjöström) e L'enfant de Paris (Léonce Perret) que estabeleceram novos padrões para filme como uma forma de contar histórias. Foi também o ano em que Yevgeni Bauer (o primeiro verdadeiro artista de cinema, de acordo com Georges Sadoul) iniciou sua carreira curta, mas prolífica.

No mundo, geralmente e na América especificamente, a influência de Griffith na produção de filmes era incomparável. Igualmente influentes foram seus atores na adaptação de suas performances ao novo meio. Lillian Gish, a estrela de The Mothering Heart, é particularmente conhecida por sua influência nas técnicas de apresentação na tela. O filme antigo épico de Griffith de 1915, The Birth of a Nation, foi inovador para o cinema como meio de contar histórias - uma obra-prima da narrativa literária com inúmeras técnicas visuais inovadoras. O filme iniciou tantos avanços no cinema americano que ficou obsoleto em poucos anos. Embora 1913 fosse um marco global para a produção de filmes, 1917 era principalmente americano.



Cinema clássico de Hollywood na era do som (finais da década de 1920 - 1960)

O estilo narrativo e visual do estilo clássico de Hollywood se desenvolveria depois da transição para a produção de filmes sonoros. As principais mudanças nas produções americanas vieram da própria indústria cinematográfica, com o auge do sistema de estúdios. Esse modo de produção, com seu sistema estelar reinante financiado por vários estúdios importantes, precedeu o som por vários anos. Em meados de 1920, a maioria dos diretores e atores americanos de destaque, que trabalhavam de forma independente desde o início dos anos 10, precisaria se tornar parte do novo sistema de estúdios para continuar trabalhando.

O início da era do som em si é definido de forma ambígua. Para alguns, começou com The Jazz Singer, lançado em 1927 e aumentando os lucros de bilheteria de filmes, à medida que o som era introduzido nos longas-metragens. Para outros, a era começou em 1929, quando a era do silêncio terminou definitivamente. A maioria das imagens de Hollywood do final das décadas de 1920 a 1960 aderiu estreitamente a um gênero - comédia ocidental, comédia, musical, desenho animado e filme biográfico (imagem biográfica) - e as mesmas equipes criativas frequentemente trabalhavam em filmes feitos pelo mesmo estúdio. Por exemplo, Cedric Gibbons e Herbert Stothart sempre trabalharam nos filmes da MGM; Alfred Newman trabalhou na 20th Century Fox por vinte anos; Os filmes de Cecil B. DeMille foram quase todos feitos na Paramount Pictures; e os filmes antigos do diretor Henry King foram feitos principalmente para a Twentieth Century Fox. Da mesma forma, os atores eram em sua maioria atores contratados. Os historiadores e críticos de cinema observam que levou cerca de uma década para que os filmes se adaptassem ao som e retornassem ao nível de qualidade artística dos silêncios, o que ocorreu no final da década de 1930.

Muitas grandes obras do cinema que surgiram nesse período foram de filmes antigos altamente regimentados. Uma razão pela qual isso foi possível é que, com tantos filmes sendo feitos, nem todos tinham que ser um grande sucesso. Um estúdio poderia apostar em um recurso de orçamento médio com um bom roteiro e atores relativamente desconhecidos: Citizen Kane, dirigido por Orson Welles e considerado por alguns como o melhor filme de todos os tempos, se encaixa nessa descrição. Em outros casos, diretores de força de vontade como Howard Hawks, Alfred Hitchcock e Frank Capra lutaram contra os estúdios para alcançar suas visões artísticas. O apogeu do sistema de estúdios pode ter sido o ano de 1939, que viu o lançamento de clássicos como O Mágico de Oz, Longe do Vento, O Corcunda de Notre Dame, Stagecoach, Sr. Smith vai a Washington, Destry Rides Again, Jovem Sr. Lincoln, O Morro dos Ventos Uivantes, Apenas os Anjos Têm Asas, Ninotchka, Beau Geste, Gatas de Armas, Gunga Din, Adeus, Sr. Chips e Os Rugidos Anos 20.


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À Beira do Abismo
Howard Hawks
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